El teatro- Page 7
El teatro
un teatrero
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#150El teatro
Posted: 4/5/25 at 5:03am
Ayer por la tarde, me acerqué a la Sala Roja Concha Velasco de los Teatros del Canal para ver Música para Hitler de Juan Carlos Rubio y Yolanda García Serrano:
Se trata de una obra de teatro que está basada en una anécdota real que sucedió en 1943. El afamado violonchelista Pau Casals, que había huido al sur de Francia de su Catalunya natal debido a la guerra civil y la dictadura franquista, fue invitado a tocar para el Führer por el régimen nazi y, naturalmente, dijo que no. Juan Carlos Rubio y Yolanda García Serrano intentan mostrarnos en su obra el imaginario encuentro y la tensa conversación entre Pau Casals y el representante del régimen nazi.
Y aquí surge el primero de los problemas de la obra: La anécdota simplemente no da para una obra de teatro. No hay tensión dramática: Como buen defensor de los derechos humanos, la democracia, la libertad y la paz, Casals se negó a actuar para Hitler desde el principio. No hubo titubeos, no hubo dudas, no hubo arrepentimientos. Así que, los autores de la obra se dedican a estirar durante una hora y veinte minutos un chicle que pierde su sabor nada más es sacado del envoltorio.
Además, el texto es muy artificial. El lenguaje es acartonado. Las palabras y las conversaciones no son naturales, no surgen de una forma orgánica de los personajes. Están metidas con un embudo en su boca, por lo que todo suena muy forzado. La obra, en vez de mostrarnos quienes son los personajes, hace que los personajes nos reciten detalles de sus biografías. Así, nos encontramos con interacciones tan artificiales como "¡Buenas tardes! Es usted un músico que nació en ... e hizo ... y se le conoce por ... ¿Qué tal está?"
Juan Carlos Rubio ha dirigido a los actores y la función de la misma manera en la que ha escrito el texto. Todo está pintado con brocha gorda - no hay sutileza. Casi todos actúan para el gallinero. Especialmente, Kiti Mánver, que interpreta a Francesca Vidal i Puig - Titi - la pareja sentimental de Pau Casals, cuyos gestos son tan exagerados que parece que está en una de esas películas de cine mudo de antaño. De hecho, tanto la obra como su puesta en escena me han parecido muy anticuados.
Y debido a que todo es tan desfasado, tan exagerado y tan artificial, el pobre Cristóbal Suárez es irrisorio como el militar nazi. En el universo trasnochado de este montaje, este personaje pide a gritos a un estereotipo; a un actor de aspecto ario: rubio, con ojos azules, frío y distante ... El señor Suárez, por el contrario, rezuma la belleza, la masculinidad y el calor del sur, del Mediterráneo por los cuatro costados.
Además, los dos personajes femeninos están tan desaprovechados que podrían eliminarse perfectamente de la obra. Sobre todo, el personaje de Marta Velilla, que interpreta a la sobrina de Pau Casals y aparece durante unos diez minutos sobre el escenario para decir un par de cosas completamente insignificantes para la obra. Aunque el personaje de Kiti Mánver no se queda lejos.
El ejemplo más claro es la última parte de la obra en la que las dos mujeres desaparecen por completo - algo totalmente incomprensible y que demuestra lo mal que está construido el texto. No se entiende cómo una mujer que está muy preocupada por Pau Casals y teme que en su estado depresivo pueda ofender al militar nazi y meterse en problemas no intervenga - aunque solo sea para asomar la cabeza y ver qué está pasando - durante la acalorada discusión entre los dos hombres en la parte final de la obra. Al igual que no se entiende que, tras pasarse toda la primera parte de la obra suplicando a Pau Casals que vuelva a tocar, no entre en el salón al oír la música durante esa forzada clase magistral que Pau Casals le da al militar.
El único que se salva es Carlos Hipólito, que interpreta a Pau Casals, ya que intenta crear a un ser de carne y hueso. No lo consigue debido al texto, pero, por lo menos, el pobre hombre hace un esfuerzo en modular su voz y mantenerse dentro del personaje hasta el final de la función.
La escenografía de Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer, la iluminación de José Manuel Guerra, el vestuario de Pier Paolo Álvaro y el maquillaje y peluquería de Chema Noci están en sintonía con los aspectos del montaje ya analizados. Todo parece estar hecho para salir del paso. La originalidad y creatividad brillan por su ausencia.
Por último, el programa de mano es bastante pobre y nada informativo como se puede ver en estás imágenes:
https://i.ibb.co/vvLZpXFY/20250405-083401.jpg
https://i.ibb.co/x85KLNHd/20250405-083422.jpg
En fin, le doy una estrella tenue.
El montaje dura una hora y veinte minutos aproximadamente. Ayer, empezó a las 20 horas y 5 minutos y los aplausos terminaron a las 21 horas y 30 minutos. Los actores salieron a saludar cuatro veces, ya que la mayoría del público parecía bastante entusiasmada. Carlos Hipólito estaba conmovido con los aplausos y la ovación de pie que recibieron de esos entusiasmados espectadores.
Música para Hitler estará en la Sala Roja Concha Velasco de los Teatros del Canal hasta el 20 de abril.
Estaba sentado en la butaca 1 de la primera fila del patio de butacas. Es la butaca que está al lado del pasillo central y, en mi opinión, es la mejor butaca de la sala. La visibilidad es perfecta, ya que el escenario no es alto y no hay cabezas delante que puedan molestar, por lo que parece que los actores actúan para ti; y el espacio para las piernas es fantástico como se puede ver en estas fotos:
https://i.ibb.co/9mCZycmv/20250404-193501.jpg
https://i.ibb.co/kVqn8NBR/20250404-193429.jpg
https://i.ibb.co/hJ0myNWj/20250404-193823.jpg
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#152El teatro
Posted: 4/7/25 at 4:27pm
Sólo quiero compartir con tod@s vosotr@s esta joya que acabo de descubrir en RTVE Play. Pongo el enlace de YouTube, en caso de que alguien esté fuera de España y no pueda utilizar la plataforma de RTVE:
Reconozco que es una obra sensiblera, pero a mí me encanta. No sé, los temas de soledad y deseo de tener a alguien que te quiera de verdad me conmueven muchísimo. Y si a ellos se añaden los horrores de la guerra, pues me convierto en un mar de lágrimas.
Y los actores en esta versión son simplemente maravillosos. Mercedes Prendes brilla como la señora Dowey, la protagonista.
Yo descubrí esta pequeña joya del autor de Peter Pan gracias al montaje de 2008 que protagonizó María Fernanda D'Ocón y en el que cambiaron el título original por Mi hijo y yo.
Creo que es el único montaje que he visto 5 veces. Me partió el alma. Recuerdo que no podía parar de llorar desde que el "Hijo" entra en escena y se descubre el pastel. Y María Fernanda D'Ocón era tan entrañable. Aquí se pueden ver un par de fragmentos, pero no representan en absoluto lo mágico que era el montaje en el teatro:
Insisto, en España, esta versión de la obra que se hizo para el Estudio 1 está en RTVE Play. Ya lo he dicho en más de una ocasión en este foro, es sin duda alguna la mejor plataforma de streaming. Su catálogo es infinito y contiene joyas de valor incalculable para l@s teatrer@s. Y es una plataforma gratuita.
Por cierto, ahora que se acerca una reposición con Imelda Staunton, también, os recomiendo la versión de La profesión de la señora Warren de George Bernard Shaw que dirigió Pilar Miró para el Estudio 1. Julia Gutiérrez Caba es monumental como la señora Warren.
En fin, creo que el talento que hubo y hay en España, supera al de la anglosfera con creces. Precisamente, lo hablaba ayer con mi madre mientras veíamos la pésima ceremonia de los Olivier: La oferta, variedad y calidad del teatro en España - sobre todo, en Madrid y Barcelona - son infinitamente superiores a las de Londres y Nueva York.
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#153El teatro
Posted: 4/9/25 at 1:48pm
El nuevo montaje de Matthew Bourne's Swan Lake se podrá ver del 19 al 22 de noviembre en el Teatro Real de Madrid:
https://www.teatroreal.es/es/espectaculo/lago-cisnes-nueva-generacion-matthew-bourne
un teatrero
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#154El teatro
Posted: 4/12/25 at 5:36pm
Esta tarde, fui a la Nave 73, uno de los teatros alternativos de Madrid, a ver la obra de teatro Una noche de ventisca de Pedro Martín Cedillo y la compañía teatral El Dado Teatro.
La obra, cuya acción transcurre en 1927 durante una fiesta que se celebra en una mansión de Moscú, nos muestra de una forma ficticia cómo - gracias a un juego de ajedrez - Mijaíl Chéjov - el célebre actor y maestro de actores, el alumno más brillante del famoso Stanislavski y el sobrino de Anton Chéjov - y su mujer consiguieron huir de Rusia y del régimen comunista y bolchevique. A medida que fuera arrecia la tormenta de nieve, dentro de la mansión aumenta la tensión entre Mijaíl Chéjov, un alto mandatario ruso del que depende el futuro de éste y su esposa, un "atractivo" y atormentado militar ruso y a la anfitriona de la fiesta.
Tristemente, en cuanto a los aspectos dramáticos y artísticos, Una noche de ventisca es otra fallida fantasía biográfica al estilo de Música para Hitler. Aunque Pedro Martín Cedillo se ha inspirado en textos de Anton Chéjov, Shakespeare y los melodramas de Tolstói, la obra parece y suena más como un culebrón latinoamericano. Hay momentos como el descubrimiento de dónde estaba la anciana criada Anfisa o el final - "homenaje" a La gaviota - que son irrisorios de lo predecibles y mal ejecutados que son. Incluso hay ¡una trama homosexual! que, se supone, debe impactar y dejar boquiabiertos a los espectadores cuando se descubre.
Los cuatro actores - Verónica Valiente, Ángel Solo, Fran Bordonado y Ander Etxebarria - parecen estar cada uno en una obra teatral diferente. A ellos los voy a salvar, porque, por lo menos, consiguen que sus personajes sean medianamente interesantes - aunque ese ataque de ansiedad del militar hacia el final de la obra es hilarante por lo exagerado que es; pero ella da vergüenza ajena. Su actuación tendría más sentido en una cutre peli porno. No quiero ser injusto: Hay actrices porno que actúan mejor.
En general, la dirección de Ricardo Goñi es bastante mediocre. Por ejemplo, no se sabe dónde está la puerta de la biblioteca - los personajes cada vez entran y salen por un sitio diferente. Parece un detalle triviale, pero no lo es. Muestra la dejadez y falta de cuidado por parte del director. La puesta en escena es igual de mala que los aspectos que acabo de analizar. Destaca especialmente la pésima iluminación de Trini León que, además de no tener ningún sentido ni crear atmósfera alguna, es hilarante, ya que los pobres actores tienen que perseguir la luz de los focos. Entiendo que el presupuesto de una compañía pequeña no es muy grande, por lo que no voy a criticar ni la escenografía ni el vestuario, pero ¡¿quién bebe vodka de una copa de champán?!
No obstante, reconozco que hay más esfuerzo y creatividad aquí que en el bodrio de Juan Carlos Rubio y Yolanda García Serrano. Me ha gustado la idea de intentar mostrar cómo los ricos camaradas ríen, comen y bailan dentro de la cálida mansión mientras fuera el pueblo se muere del frío. Y hay cierta tensión dramática: ¿Cómo conseguirá salir de esta Chéjov? Y algunos giros dramáticos (la partida de ajedrez, el tormento del militar) no están metidos con calzador como esa ridícula clase de música de Música para Hitler. Por eso, le doy una estrella al montaje.
La función dura aproximadamente una hora y quince minutos. Comenzó a las 19:06 horas y los aplausos terminaron a las 20:20 horas. El montaje se representa los viernes y sábados, y, en principio, estará en cartel hasta el 26 de abril.
Las butacas están en grada y no están enumeradas. Yo me senté en una que está al lado de la escalera central y la visibilidad era perfecta como se puede ver en estas fotos:
https://i.ibb.co/v6JYVtKP/20250412-190440.jpg
https://i.ibb.co/3mJDkJQJ/20250412-190328.jpg
El tráiler del montaje:
https://youtu.be/D2X_y6hwT3c?feature=shared
Por cierto, la peste que salía de los baños que dan justo al pasillo en el que se espera para entrar en la sala y que aparentemente no se pueden cerrar era nauseabunda.
un teatrero
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#155El teatro
Posted: 4/13/25 at 7:12pm
Este domingo, fui a ver el montaje de Las amargas lágrimas de Petra von Kant de Rainer Werner Fassbinder que se está representando en la Nave 10 Matadero:
No, en contra de lo que muchos piensan, Las amargas lágrimas de Petra von Kant no es una obra sobre el amor lésbico. Sí, todos los personajes son femeninos y la protagonista se enamora de una mujer, pero ese no es el tema principal de la obra. Si le cambiamos el sexo a los personajes, la obra sigue funcionando perfectamente como se verá más adelante.
Las amargas lágrimas de Petra von Kant es un fascinante estudio del ser humano y la cruel y desalmada sociedad capitalista en la que vivimos. Es una obra sobre lo disfuncionales y tóxicas que son la mayoría (por no decir todas y cada una) de las relaciones que establecemos en nuestra vida.
Como dice Petra:
El ser humano necesita a los demás, pero todavía no ha aprendido a convivir.
Si, Aristóteles tenía razón cuando dijo aquello de "el ser humano es un animal social," pero, por desgracia, vivimos en una sociedad despiadada en la que relacionarse es prostituirse. Yo te doy amor/amistad/compañía/etc. a cambio de algo. Estamos con otras personas por interés y necesidad. Los sentimientos y el amor son para los débiles; y como dijo Darwin: Sólo los más fuertes sobreviven en este mundo.
A través de Petra von Kant y las mujeres (y hombres) que entran y salen de su vida, la obra muestra lo tóxico, obsesivo, manipulador, explotador, controlador, celoso, egoísta, vanidoso y masoquista que es el ser humano. Fassbinder no se apiada de nadie: Todos utilizan a Petra (incluidas su madre y su hija) y Petra utiliza a todos. Y, al final, todos los personajes acaban solos.
Dicho esto, una pregunta: ¿Por qué gente que no entiende un texto y no tiene el más mínimo respeto por él se empeña en ponerlo en escena?
Supongo que será por vanidad. Por aquello de "Ya le demostraré YO al autor de la obra cómo se hacen las cosas." Un ejemplo claro de esta sociedad de YO YO YO en la que vivimos. Ya lo vimos con esa aberración que se estrenó en el Teatro Soho CaixaBank de Málaga el año pasado. Y ahora tenemos este montaje dirigido por Rakel Camacho.
La señora Camacho, entre otras cosas, ha eliminado a la hija, ha modificado el carácter de los otros personajes - vease lo amable que es Petra hacia Marlene desde el principio de la obra -, ha eliminado texto original, pero ha añadido canciones que no tienen absolutamente ningún sentido dentro del mundo que ha creado Fassbinder y así ha destrozado una magnífica obra teatral.
El ejemplo más claro de que la señora Camacho no ha entendido nada es lo que ha hecho con el personaje de Marlene, la "secretaria/sirvienta" de Petra. Un personaje fascinante, un bombón para cualquier actriz, ya que no habla - comunica todos sus sentimientos utilizando el lenguaje corporal. Se limita a observar a esas "locas" que la rodean. En este montaje parece un robot, una marioneta e incluso canta "Lili Marlene" de Marlene Dietrich.
Pero hay un montón de ejemplos más:
- Karin, la joven de la que se enamora Petra, es una barriobajera. Que sí, que Karin es de origen humilde y es inculta y perversa, pero tiene que ser seductura para que Petra caiga en su trampa. Y aquí no lo es. Es simplemente una choni chabacana desde el principio y hasta el final.
- La escena del cumpleaños donde Petra estalla está dirigida de tal manera que parece sacada de un episodio de La que se avecina.
No voy a decir mucho más del montaje. Las dos cosas que me han gustado son el comienzo, con esa pesadilla de Petra en la que aparece un aterrador pase de modelos; y la ceremonial "coronación" de Karin como si fuera una figura religiosa o miembro de la familia real británica.
Ana Torrent y María Luisa San José son las únicas que ofrecen unas actuaciones decentes. Las otras tres están sobreactudas. También es cierto que Ana Torrent se va desinflando poco a poco y al final ya no sabe qué hacer con el personaje. Pero eso, me temo, es culpa de la directora.
Y la puesta en escena es feísima. Todo tiene pinta de un club de alterne. Pero de alguna manera eso tiene sentido, ya que, como dije anteriormente, vamos por la vida prostituyéndonos.
En fin, le doy una estrella por el texto.
La función dura aproximadamente una hora y media. Empezó a las 19:36 horas y terminó a las 21:04 horas. Estará en cartel hasta el 20 de abril.
El programa de mano es bastante pobre:
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https://i.ibb.co/cKgkMvvK/20250414-004904.jpg
Estaba sentado en la butaca 4 de la novena y última fila de la grada central. Junto con las butacas 1 y 2 es la mejor butaca de la última fila, ya que delante está la escalera central, así que hay mucho espacio para estirar las piernas y no hay cabezas que puedan molestar. Y detrás de la butaca hay espacio para dejar la chaqueta, el paraguas o lo que sea. Y, lo más importante de todo, la visibilidad es perfecta como se puede ver en estas fotos:
https://i.ibb.co/Xrs4B3yd/20250413-193426.jpg
https://i.ibb.co/MDjGbT9d/20250413-193414.jpg
Para terminar, dejo unas cuantas recomendaciones:
Me encanta este análisis de la película de Fassbinder:
https://www.the-cinematograph.com/movies/the-bitter-tears-of-petra-von-kant/
En RTVE Play se puede ver la versión que se hizo para el Estudio 1 con Rosa María Sardà. La Sardà es malísima como Petra, ya que está deprimida desde el principio. Pero Gloria Muñoz es fabulosa como Marlene:
En 2022, François Ozon dirigió Peter von Kant, una fabulosa adaptación libre de la obra en la que Petra, Karin y Marlene pasan a ser Peter, Amir y Karl. La película, que está protagonizada por un monumental Denis Ménochet, un seductor e imposiblemente bello Khalil Ben Gharbia, un maravilloso Stéfan Crepón, una divina Isabelle Adjani, y una maternal Hanna Schygulla - Karin de la película original de Fassbinder -, está en Filmin y como todas las pelis de Ozon es una fiesta para la vista y los oidos:
Dejo una escena de la peli:
Y hablando de Ozon, si no habéis visto su peli musical 8 femmes, intentad verla:
Es una de mis pelis navideñas favoritas.
Y su Verano del 85 es una de mis pelis favoritas:
Updated On: 4/14/25 at 07:12 PM
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#156El teatro
Posted: 4/14/25 at 5:06pm
Esta tarde he visto Asesinato para dos en el Pequeño Teatro Gran Vía y me ha encantado. ¡Qué bien me lo he pasado! ¡Cuánto me he reído! De verdad, es una joya de musical y montaje. Le doy 5 estrellas muy brillantes.
Pero el musical no brillaría tanto sin los dos actores - ACTORAZOS - que aparecen en él. Dídac Flores es simplemente magnífico. Es impresionante lo que hace este hombre sobre el escenario. Y ¿se puede ser más adorable que Nico Sans? Al final de la función, recibieron una merecidísima ovación de pie de todo el público.
Lo único que haría para hacer el montaje todavía mejor es crear un póster del musical con Nico Sans para que durante los saludos finales de las funciones en las que aparece él se proyecte el póster con su foto y no la de Mikel Herzog Jr. Por cierto, ahora que Wicked llega a Madrid, creo que este chico sería un Boq perfecto.
Aunque lo que sería todavía mejor es que alguien escribiera un musical nuevo para gente como él, Dídac Flores o Christian Escuredo. Artistas que saben actuar, cantar y bailar, y que rebosan personalidad, carisma y talento por los cuatro costados. Auténticos actores de teatro musical.
En fin, intentaré ver por lo menos una más de las dos funciones que quedan.
La función comenzó a las 20:05 horas y salimos del teatro a las 21:51 horas.
Estaba sentado en la butaca 1 de la primera fila. Es la butaca que está en el centro de la fila. La visibilidad era perfecta como se puede ver en estas fotos:
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https://i.ibb.co/Y4LJVsW7/20250414-193820.jpg
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https://i.ibb.co/rKpYfrX3/20250414-193845.jpg
Además de tener a los dos actores cerca, durante ese número musical de Dahlia Whitney uno acaba cubierto de confeti.
un teatrero
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#157El teatro
Posted: 4/16/25 at 7:16pm
Este miércoles, me acerqué a la Sala Pequeña del Teatro Español para ver ¡Esta noche, gran velada! ¡Kid Peña contra Alarcón por el título europeo! de Fermín Cabal:
Ensayos:
Tráiler:
La obra, que fue estrenada en 1983, es la historia de Kid Peña/Enrique, un boxeador treintañero que se debate si debe o no competir en un importante combate que está amañado para que él lo pierda.
El texto me ha gustado muchísimo. La obra es como la vida misma: una tragicomedia. Y como en la vida, la comedia surge del esperpéntico y ridículo comportamiento de las personas - incluso en los momentos tensos o trágicos.
En la despiadada sociedad capitalista, sólo las personas más fuertes sobreviven. Y para ser fuerte, por desgracia, uno no puede ni ser honesto ni mostrar sus sentimientos. Todos menos Kid/Enrique son egoístas y piensan en sí mismos y sus propios intereses. Kid/Enrique es un chaval de pueblo, un macarrilla con un corazón de oro y sueños; es físicamente agraciado, pero intelectualmente pobre; y es fácil de manipular - especialmente por las mujeres. Y todo esto le convierte en una víctima fácil. Y todos se aprovechan de él.
Y como en la vida misma, los finales felices sólo están reservados para aquellos que pueden permitírselos - es decir, para ricos y desalmados. Los pobres no tienen tiempo para disfrutar de la felicidad. Tienen que luchar para sobrevivir y sólo pueden aspirar a un pequeño momento de felicidad - como diría Sondheim - o a agarrarse a lo que puedan y contentarse con ello. El problema es que para sobrevivir hay que seguir las reglas de los ricos y desalmados y quien se rebele, será convertido en un paria o terminará bocabajo en una cuneta.
Si a todo esto añadimos los temas de la masculinidad y relaciones tóxicas, unos personajes interesantes y tridimensionales, y el hecho de que el lenguaje y las conversaciones son realistas y naturales, tenemos un texto dramático de primera calidad.
Por cierto, mientras veía la función, toda esa testosterona que se respira en el aire y las peleas entre machos heterosexuales me hizo pensar en David Mamet y su Glengarry Glen Ross que se estrenó en 1984.
El montaje que ha dirigido Pilar Valenciano es igual de excelente que el texto de la obra. La función avanza a buen ritmo y la puesta en escena es sobresaliente. Lua Quiroga Paúl ha sido muy detallista y ha creado un vestuario muy realista con taquillas, bancos, camilla de masaje, sacos de boxeo, ducha, etc. Tania Tajadura ha sido igual de minuciosa y ha diseñado unos trajes apropiados para cada personaje. La iluminación de Rodrigo Ortega es muy efectiva al igual que la composición musical y espacio sonoro de Luis Miguel Cobo. Me ha gustado la banda sonora. Y los vídeos creados por Elvira Ruiz Zurita y Álvaro Luna que se proyectan durante la función están muy bien integrados y son totalmente relevantes para la acción. El fantástico inicio de la función con vídeo con recortes de prensa que nos presentan al protagonista mientras suena "Dinero Dinero" de Obús es un ejemplo claro de lo bien que está integrado cada elemento de la puesta en escena.
Pilar Valenciano, también, ha sabido encontrar a actores que son simplemente perfectos para los personajes que interpretan. Francisco Ortiz es maravilloso como Kid Peña: atractivo, varonil, chulo, impulsivo y tierno. Mario Alonso brilla como el hiperactivo, graciosillo, bobo y entrañable Sony Soplillo, ayudante del entrenador. Chema Ruiz es fabulosamente repulsivo como el corrupto agente de Kid. Marta Guerras es fantástica como la seductora y manipuladora choni por la que babean casi todos los hombres de la obra. En su escena con Francisco Ortiz me hizo pensar en este personaje y este momento:
Finalmente, Daniel Ortiz y Jesús Calvo ofrecen actuaciones notables como el entrenador y el mafioso agente rival respectivamente. Todos actuan de una forma natural. Además, hay mucha química y compenetración entre todos los actores. Por todas estas razones, durante toda la función vemos a los personajes. Y eso es muy importante.
En fin, le doy 5 estrellas muy brillantes y ya me he comprado el texto de la obra y tengo entrada para ver el montaje otra vez.
La función comenzó a las 19:34 horas y salí del teatro a las 21:09 horas. Estará en cartel hasta el 25 de mayo.
El programa de mano no está mal, ya que incluye información relevante e importante sobre la obra y el montaje y cuatro fotografías del espectáculo:
https://i.ibb.co/qMZ5JYk7/20250416-223200.jpg
https://i.ibb.co/v4jqzV8q/20250416-223148.jpg
Estaba sentado en la butaca 4 de la séptima fila. La séptima fila es la última fila, las butacas están en grada y las butacas 2 y 4 tienen la escalera central delante por lo que la visibilidad es perfecta como se puede ver en estas fotos:
https://i.ibb.co/qMf8VnxL/20250416-193107.jpg
https://i.ibb.co/jvkxChcR/20250416-193043.jpg
https://i.ibb.co/1YkHGnd6/20250416-193050.jpg
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#158El teatro
Posted: 4/18/25 at 6:00pm
Todo lo que veo me sobrevivirá (Tríptico de vida III)
Sala Cuarta Pared
17 de abril de 2025
Tráiler:
OPINIÓN
Texto:
Preámbulo de Raquel Alarcón: Sobre la pared del fondo del escenario se proyectan unas palabras que dan la bienvenida al público y presentan a los actores.
Prólogo de Raquel Alarcón: Esther Isla se mete en la piel de Raquel Alarcón para contarnos una anécdota que le sucedió cuando era niña. Se apuntó a un concurso de disfraces y cuando tuvo que describir su disfraz de Bugs Bunny al jurado se puso nerviosa y no le salían las palabras. Para la desgracia del público, se resarcirá a gusto en el "Epílogo".
Cinco historias cortas que no están interrelacionadas:
1. "Cara de mayor" de Melanie Werder: Técnico de escaleras mecánicas, su hija pequeña y la dueña del supermercado mantienen conversaciones absurdas sobre escaleras mecánicas, estuches de princesitas y el I Ching. Se supone que es un fragmento cómico. A mí me pareció una chorrada y no me hizo ni pizca de gracia.
2. "Sierra de Yeguas, 23 de agosto" de Roberto Martín Maizteguí: Un chico gay veinteañero, su hermano mayor - un "facha" heterobásico con un corazón de oro - y la "aparición" de su hermano mediano que hace años se cayó en un pozo nos muestran lo duro que es ser gay en un pueblo, pero, también, lo difícil que es tomar decisiones, elegir entre vivir nuestra vida o entregarla a las personas que nos necesitan.
3. "Multiaventura" de Lucía Carballal: A través de un emotivo monólogo lleno de rabia, una monitora de un parque infantil privado nos muestra lo dura que es su vida. Este fragmento es el que más me gustó, porque muestra bastante bien lo explotados que son esos monitores y profesores que trabajan en parques infantiles y academias de idiomas privadas. Y también por la magnífica y conmovedora interpretación de Esther Isla.
4. "Maserati" de Esther García Llovet: Un joven conductor de BlaBlaCar y su hermana pequeña escuchan las extrañas vivencias de una excéntrica señora de sesenta años.
5. "El encargo" de Pablo Remón: Escuchando las voces en la cabeza de un dramaturgo vemos lo difícil que es escribir una obra teatral sobre una trascendental epifanía cotidiana. El final narrado por las voces es muy felliniano - Los personajes de la vida del dramaturgo que fueron mencionados en el fragmento pasan delante él en una procesión y al final va él de niño. Muy 8 1/2, pero con toques españoles:
Epílogo - Creo que es de Raquel Alarcón. Al igual que el "Preámbulo", está proyectado sobre la pared del fondo del escenario. Palabras, palabras y más palabras que describen la vida de una de esas personas pijas que, mientras desayunan, leen El país o ven Al rojo vivo y planean dónde irán de vacaciones en el salón de su pisito de un barrio guay del centro de Madrid, se creen súper modernas, súper progres y súper pegadas a la realidad.
Me gustaron todas las historias menos la primera. Pero es cierto que ninguna - a excepción de "Multiaventura" - me ha parecido muy trascendental o representativa de lo que significa vivir. Y también les falta conexión entre ellas.
El prólogo y el epílogo no me gustaron nada, ya que me cuesta empatizar con las vivencias súper guays y tribulaciones triviales de gente pija. De hecho, cada chorrada y pijotada que aparecía proyectada durante el "Epílogo" era más repelente que la anterior.
Dirección de Raquel Alarcón y puesta en escena:
El montaje tiene buen ritmo. La simple escenografía de Berta Navas, la iluminación de Nuria Henríquez y el sonido de Kevin Dornan y Manu Solis se compenetran y complementan perfectamente, y son muy funcionales.
El espacio del escenario está muy bien aprovechado y hay momentos realmente bellos como ese humo que envuelve a Esther Isla durante "Multiaventura" o la iluminación y sonidos durante la parte final de "Maserati". El final es, también, bonito.
También, me gustó el juego de voces y la puesta en escena durante "El encargo" - esa utilería desperdigada por el escenario que muestra ese desorden que muchos tenemos en la cabeza - Por lo menos, eso es como yo interpreté la puesta en escena de "El encargo".
Y como, durante el final, los actores colocan esa utilería para formar un todo armonioso. Es una imagen bastante efectista. Es una pena que no se consiga esa integridad entre los diferentes fragmentos que componen la obra.
Yo quitaría el prólogo y el epílogo o los cambiaría por algo más trascendental. Mientras leía las frases narcisistas y egocéntricas durante el "Epílogo", me acordé de esta escena final:
"Como no sabemos cuándo vamos a morir llegamos a creer que la vida es un pozo inagotable. Sin embargo, todo sucede sólo un cierto número de veces, y no demasiadas. ¿En cuántas ocasiones te vendrá a la memoria aquella tarde de tu infancia, una tarde que ha marcado el resto de tu existencia, una tarde tan importante que ni siquiera puedes concebir tu vida sin ella? Quizá cuatro o cinco veces. Quizá ni siquiera eso. ¿Y cuántas veces más contemplarás la luna llena? Quizá veinte. Y, sin embargo, todo parece ilimitado."
Esto sí es trascendental y universal. Por cierto, buen libro, buena adaptación cinematográfica y extraordinaria banda sonora de Ryuichi Sakamoto.
También, coincido con alguna opinión que he leído por ahí en que la estructura del montaje sería mejor si la quinta historia fuese la primera. Sería una buena presentación del proyecto. He de decir que no he visto las primeras dos partes de este Tríptico de la vida: Todas las casas y Murmullo. Pero, por lo que he leído, no tienen ninguna relación con esta tercera y última parte.
Actores:
Esther Isla, Puchi Lagarde, Jorge Mayor, Julio Montañana, Viena Polo Camacho
Me gustaron mucho todos menos la niña que desprendía un tufo de arrogancia y prepotencia. Me recordó a la repelente protagonista de la adaptación musical de Matilda.
Ese bonito final en el que la niña da vueltas en sus patines alrededor de los objetos que se utilizaron durante la representación mientras el "Epílogo" se proyecta sobre la pared del fondo sería mucho más conmovedor si el "Epílogo" y la niña fuesen diferentes.
Asiento:
Fila A, butaca 4.
El escenario está a ras del suelo y las butacas están en grada. La fila A es la primera fila y la butaca 4 está centrada. La visibilidad era perfecta.
Más información:
https://www.cuartapared.es/project/todo-lo-que-veo-me-sobrevivira/#1652780968433-0eab54cc-4078
un teatrero
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#159El teatro
Posted: 4/20/25 at 6:34am
Camino a la meca
Teatro Bellas Artes
19 de abril de 2025
Tráiler:
OPINIÓN
Texto de Athol Fugard:
La obra se estrenó en el National Theatre de Londres en 1985 y en Off-Broadway en 1988. En 1991 se hizo un telefilme que protagonizaron Yvonne Bryceland, para la cual Fugard escribió el personaje de Helen y que fue la primera en interpretarlo tanto en Londres como en Nueva York, Kathy Bates como Elsa Barlow, la feminista y activista profesora de un colegio, y el propio Athol Fugard como el reverendo Marius Byleveld.
A través de las conversaciones que mantienen los tres personajes, descubrimos detalles de la vida de Helen Martins, escultora de obras excéntricas y cuya casa - The Owl House - es actualmente un museo y monumento nacional en Nieu-Bethesda, Sudáfrica. Elsa intenta convencer a una deprimida Helen que siga luchando, siga creando obras de arte y siga confiando y que no haga caso al reverendo Marius y la gente del pueblo que la han convertido en una paria por escapar de esa jaula llamada Iglesia y volar libre en su jardín y que quieren incapacitarla y meterla en una residencia de ancianos.
Es una obra teatral entrañable y con una estructura tradicional. Tenemos un principio en el que se nos presentan los personajes y el conflicto, un desarrollo en el que se debate sobre el conflicto, y un final en el que el conflicto se resuelve. Los personajes están bien definidos y tridimensionales: sienten, padecen, piensan, actúan y evolucionan. Y las palabras surgen de una forma natural desde los personajes. Pero, al igual que en otras obras clásicas, las palabras no fluyen de una forma natural. Los personajes no se interrumpen; dejan que uno acabe su frase o discurso antes de intervenir.
En la obra se habla sobre la vejez, la soledad, la amistad, la necesidad de tener a alguien en quien confiar y algo en lo que creer, la necesidad de sentirse libre y ser uno mismo. También, se tratan temas serios y controvertidos como la religión, el racismo (apartheid) y el feminismo, pero de una forma natural y sin sermonear.
Me gustó y conmovió el entrañable final de la obra:
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El chiste sobre la confianza en un mundo despiadado y capitalista:
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Dirección de Claudio Tolcachir y puesta en escena:
Creo que el ritmo es bueno. La función no se me hizo pesada o aburrida, aunque es cierto que hay demasiadas conversaciones estáticas donde los personajes están sentados mientras dialogan.
La escenografía - el salón y el jardín de una casa sudáfricana -de Alessio Meloni y el vestuario de Pablo Menor son visualmente atractivos, detallistas y están creados a la antigua usanza. Todo lo que vemos sobre el escenario es real, ha sido fabricado minuciosamente y se puede tocar y sentir. No hay proyecciones.
No obstante, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo y el sonido de Félix Botana son mejorables. Por ejemplo, los personajes dicen que anochece y encienden las velas y los faroles para iluminar el salón, ya que Helen no tiene electricidad en casa, pero la luz sobre el escenario sigue igual como al principio de la función. La potencia de la luz de los focos no cambia, no se vuelve tenue. En cuanto al sonido, a veces se escucha el ruido de la naturaleza - los pájaros, los insectos, el viento, etc. - que entra desde fuera y otras veces no.
Actores:
Lola Herrera, Natalia Dicenta y Carlos Olalla
Los tres ofrecen actuaciones a la antigua usanza. Declaman bien, modulan y proyectan bien su voz, gesticulan bien, transmiten bien sus sentimientos tanto con la voz como con el cuerpo. En pocas palabras, actuaciones infinitamente mejores y más disfrutables que las artificiosas e histriónicas actuaciones de muchos actores "modernos".
Era la primera vez que veía a Lola Herrera actuar en un teatro y admito que la señora es maravillosa. Una extraordinaria actriz - como las Grandes de antaño. Cuando salí del teatro no pude pensar en esa otra "leyenda" del teatro llamada Núria Espert y en lo diferentes que son estas dos actrices de 89 años. Mientras que Espert es fría y tiende a sobreactuar, Herrera emana luz, simpatía, ternura y espontaneidad.
Y verla fundirse en ese cariñoso abrazo al final de la función con Natalia Dicenta, su hija, era muy conmovedor.
Duración:
La función comenzó a las 19:07 horas y salí del teatro a las 20:31 horas.
Asiento:
Anfiteatro, Fila 6, Butaca 12
La verdad es que la visibilidad era buena. Es verdad que uno está alejado del escenario, pero las caras de los actores se ven de una forma aceptable y la visibilidad de todo el escenario es perfecta.
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Detalles adicionales:
Me gustó que además del tradicional mensaje grabado que pide que se apaguen los teléfonos móviles salga un regidor a hacerlo en persona. Y me gustó mucho que ofreciera la ayuda de los acomodadores a las personas que no sabían cómo apagar su móvil o ponerlo en modo avión.
Más información:
https://www.teatrobellasartes.es/obra-de-teatro/camino-a-la-meca/
un teatrero
Stand-by Joined: 7/6/24
#160El teatro
Posted: 4/21/25 at 6:57am
El efecto
Teatros del Canal: Sala Verde
20 de abril de 2025 (última función)
Tráiler:
OPINIÓN
Texto de Lucy Prebble:
La obra, que se estrenó en 2012 en el National Theatre de Londres, nos muestra diferentes etapas del amor y, también, las profundas e incurables cicatrices emocionales que dejan las malas relaciones afectivo-sexuales sobre las personas.
Dos jóvenes veinteañeros - un chico y una chica - aceptan formar parte de un ensayo clínico y probar un nuevo medicamento antidepresivo. Poco a poco, empiezan a enamorarse uno del otro. A medida que avanza la función, pasan por las diferentes etapas y experimentan los diferentes aspectos de una relación: el enamoramiento, el flirteo y el cortejo, la pasión, las dudas, las discusiones, etc.
La pregunta que surge es si Tristán y Connie se están enamorando de verdad o lo hacen debido al efecto del fármaco que, entre otras cosas, aumenta los niveles de dopamina. Lo que uno de los personajes y el público descubrimos a medida que avanza la función es que sólo uno de ellos está tomando la "sustancia"; al otro le están suministrando un placebo. Este descubrimiento afecta la relación entre los personajes.
Más tarde, el público descubre otro secreto que es importante para crear una conmoción cuando sucede lo que sucede antes de la escena final:
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La obra, también, nos muestra a través del personaje de la psiquiatra que sufre una depresión crónica los efectos de relaciones afectivo-sexuales tóxicas. El amor te puede dar la vida o quitártela; te puede dar la mayor felicidad o la tristeza más desgarradora; puede ser un maravilloso sueño o una terrorífica pesadilla.
Creo que es una obra interesante y que está escrita para los Milenials y la Generacion Z, la Generacion TikTok. Las escenas son relativamente cortas, los protagonistas son jóvenes, el lenguaje es coloquial y moderno, y la jerga "científica" que utilizan los dos psiquiatras es fácil de entender.
Por cierto, el texto ha sido claramente adaptado por Rómulo Assereto y Juan Carlos Fisher para el público español. No he leído el texto original, pero dudo que la acción de la obra original se desarrolle en España y la chica joven sea de Graus. Además, todos los nombres, menos el de la chica, han sido españolizados. Supongo que habrá muchas Connies en Graus.
Dirección de Juan Carlos Fisher y puesta en escena:
El montaje está claramente diseñado para atraer y agradar a un público joven y moderno. Antes de comenzar la función, la sala retumba con la música electrónica.
El ritmo de la función me pareció es irregular. Hacia el final, tuve la sensación de que la función se estaba alargando.
La escenografía y el vestuario de Juan Sebastián Domínguez son simples, fríos y funcionales. No me parece mal ya que representan muy bien la frialdad de centros hospitalarios.
Hay proyecciones que muestran la actividad cerebral de los protagonistas y unos tests que les hacen.
La iluminación de Ion Aníbal López me gustó mucho al igual que el espacio sonoro de Luis Miguel Cobo. Me encantó la combinación y compenetración de luz, colores, música y el baile de cuerpos durante las breves escenas que muestran la pasión dentro de una relación. Soy incapaz de encontrar una foto de ese momento:
Al fondo del escenario aparece una estructura con varias filas de bombillas que se encienden, cambian de color y apagan. Y delante de esa estructura vemos a Tristán y a Connie bromear, jugar y hablar mientras hacen el amor. Tanto la iluminación como la música que se escucha como el movimiento de los actores como sus voces hacen que sea un momento mágico y onírico.
En serio, un momento que parece simple, pero a nivel teatral, visual y sonoro me pareció impactante e impresionante.
Actores:
Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea
Me encantó la actuación de Itzan Escamilla, que interpreta a Tristán. Me pareció muy espontáneo, muy real: un chaval de hoy en día. También, me gustó mucho Alicia Borrachero que encarna muy bien a esa mujer de cincuenta y pocos a la que las malas decisiones sentimentales han sumido en una profunda oscuridad. Los dos consiguieron que empatizara con sus personajes desde el principio.
Elena Rivera, que interpreta a Connie, mejora en la parte final de la función. Hasta entonces, ofrece la típica actuación de actrices jóvenes españolas de hoy en día. Fran Perea como Tomás, el psiquiatra que rompió el corazón y apagó el cerebro del personaje que interpreta Alicia Borrachero me pareció bastante monótono.
Duración:
La función comenzó a las 18:06 horas y los aplausos terminaron a las 19:42 horas.
Asiento:
Patio de butacas, Fila 3, Butaca 2
Es la butaca que está justo en el centro de la fila. Como las butacas están en grada y la fila 3 está muy cerca del escenario, la visibilidad era simplemente perfecta.
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Más información:
https://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-efecto-juan-carlos-fisher-tc2425/
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